El artista segoviano presentó ayer una carpeta de tres litografías que ilustran tres poemas originales del poeta y escritor catalán Premio Cervantes en 2006.

El artista segoviano Luis Moro presentó ayer en la sede de la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE) uno de sus proyectos más singulares y ambiciosos en colaboración con el escritor y Premio Cervantes Antonio Gamoneda. Bajo el título “Un animal oculto”, Moro y Gamoneda presentaron una careta de tres litografías y tres poemas originales coeditadas por el galerista y editor Rodrigo Juarranz, que fueron presentadas en la tarde de ayer por los presidentes de AEPE, José Gabriel Astudillo y de la Asociación Española de Críticos de Arte (AECA), Tomás Paredes Romero.
Para la presentación mundial de este trabajo, los autores han elegido Madrid, y a una entidad que se fundó hace ahora 105 años de la mano de grandes artistas como Chicharro, Sorolla, Blay o Cecilio Plá, para seguir una tradición de la que la Asociación Española de Pintores y Escultores es ya veterana, ya que entre sus actos societarios siempre se ha realizado este tipo de trabajos introductorios de los mejores artistas del momento.

La colaboración entre Antonio Gamoneda y Luis Moro es la primera para el pintor segoviano, si bien el poeta ya lo ha hecho antes con artistas como Álvaro Delgado, Antoni Tàpies, Amaya Bozal y Juan Carlos Mestre entre otros.
La obra de Luis Moro, fuertemente arraigada en la cultura hispana, tiene una amplia proyección internacional. A sus treinta y cuatro años cuenta con más de treinta exposiciones individuales, de las cuales aproximadamente la mitad se han realizado fuera de España. A lo largo de su ya dilatada carrera ha recibido numerosos premios, entre los que cabe citar los Premios Nacionales de Pintura y Grabado, Certamen Juvenil de Artes Plásticas entre 1985 y 1989, Premio Internacional de Pintura Benidorm 1987, Premio Liceo Español de Paris 1991, Beca Casa de Velázquez 2002 (Madrid-Francia), Beca Conaculta, Artresd, México 2012, SMART Grant, CAM, San Antonio, USA, 2013…

Antonio Gamoneda (Oviedo, 1931) es Doctor Honoris causa por la Universidad de León, ganador del Premio Nacional de Literatura en 1988, Premio Cervantes en 2006, Premio Quijote en 2009, Medalla de Oro de la ciudad de Pau, Medalla de Plata del Principado de Asturias, Premio “Leteo”, Medalla de Oro de León y Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes. Desde que publicara su primer libro en 1960, ha publicado ya 17 libros de poemas, 28 de ensayo, 4 de relatos y siendo innumerables las traducciones y la cantidad de trabajos de otro tipo que se le conocen.
Gamoneda ha definido la poesía en uno de sus ensayos: “Es arte de la memoria en la perspectiva de la muerte”. Su recepción crítica siempre ha sido favorable desde que el poeta comenzó a publicar: “Tres son los puntales, repetidos por el poeta insistentemente en [sus] escritos, sobre los que se alza la estatura de su pensamiento poético: – La naturaleza autorreferente de la palabra poética -intrarreferente, dice él también-, cuya significación y cuya realidad no atraviesan hacia una referencia exterior. El desencadenante de naturaleza musical del lenguaje poético (‘El pensamiento poético es un pensamiento que canta’). El hecho de que sólo sea posible que el lenguaje poético entre en la inteligibilidad bajo la condición de imágenes sensibles.

Fuente: El Adelantado de Segovia

“Fragmentos del paraíso” es una exposición de variadas técnicas pictóricas del artista español, Luis Moro. Nacido en la antigua ciudad de Segovia en España, Moro estudió en Madrid y ha expuesto en Europa, Norteamérica y Asia. Viaja constantemente desde 1991. Moro ha pasado los últimos 6 años entre México y USA donde ha expuesto su obra ampliamente.

Esta exposición se ha centrado en pequeñas formas de vida: insectos, artrópodos y minúsculos organismos que viven con ellos. Usando la pintura y nuevos medios ha construido un mundo complejo para reflexionar las relaciones entre los organismos individuales y su entorno, encontrando patrones inspirados en la naturaleza. A lo que se refiere como un juego entre lo “micro” y lo “macro”.

Enlace a la galería

Por Miguel Ángel Muñoz

“Había jugado con la posibilidad de encontrar en la realidad lo que estaba sencillamente en el fondo de mi mismo”
Marcel Proust, El tiempo recobrado

Pocos elementos pueden presentar tanta claridad y variedad de estímulos a la imaginación visual y poética como una semi-figuración sutil, delicada, llena de poesía. Su metamorfosis de color, de la línea y la estabilidad de su forma, que es fuente de renovación, constituyen un desafío máximo en cualquier artista. Ese ejercicio memorioso es al que John Berger juega: “Cierras los ojos distraídamente de vez en cuando. La imagen del entramado de hojas se mantiene un momento impresa en tu retina antes de desaparecer, pero ahora es de un rojo intenso, del color de un rododendro muy oscuro…”.

Uno de los principales mandatos pictóricos del siglo XX (Paul Klee), decía: “no reproduzcas la naturaleza, has como ella, descúbrelo todo poco a poco”. Pero, ¿qué es un paisaje, qué una figuración? Nada y todo. Se deja hacer. Si se mueve es por buscar el equilibrio que otras fuerzas le rompen; va y viene, se agita, incluso puede mostrar su rabia, y en este movimiento lo transforma todo, lo acoge todo.

Todas estas ideas surgen con fuerza al ver en retrospectiva la obra pictórica de Luis Moro. Las claves de su trabajo son plásticas; pero una idea se hace cada vez más clara: la progresiva sencillez formal, la creciente economía de los elementos de su pintura, van unidad de forma inextricable a una mayor riqueza plástica, a una capacidad de sugestión visual que crece de modo continuo, como una fuerza quieta que se desliza en multitud de gestos, de vaivenes. Ha evolucionado a partir de aquellos principios radicales, pero es un caso clave en la pintura de su generación de integración coherente de elementos. Es complicado descubrir en él, un desliz extra-pictórico. En sentido de mezclar figuración y paisaje. De fuertes resonancias románticas, que puebla su pintura de los noventa, emerge, desde una memoria visual acumulada, cuya densidad y simpleza no impide ir reconociendo lentamente con precisión exacta cada uno de los estratos sobre los que se apoya.

Siguiendo los trazos y caminos últimos de Martk Rothko, Antoni Tàpies, Albert Ràfols-Casamada, Terry Winter, Philip Guston, Miquel Barceló pero también las densas y poéticas atmósferas de Turner, sin olvidar los maravillosos paisajistas británicos del siglo XVIII y comienzos del XIX, el pintor español Luis Moro continúa puliendo su fascinante mundo estético “sub-acuático”: peces, calamares, caballos de mar; y esa serie de insectos, que título acertadamente “paraísos elementales”: abejas, moscas, mariposas, cuya poética es un reflejo de ricas tensiones internas, donde caben los refinamientos sensuales y las alucinaciones místicas. No tarda en aparecer un ánimo organizativo y, tal vez lo más importante, una sobriedad a la que se mostrará fiel, incluso en los momentos de factura más sensual. Moro ha insistido en esa absorbente y huidiza plasmación de la luz, donde discurren todos los colores, pero al límite de su visibilidad, porque el horizonte así se achata entre nieblas y se convierte en un telón jaspeado de inciertos brillos fugitivos, cuyos trazos guían la mano del artista, para crear y recrear esas atmósferas huidizas que le dan un toque muy personal a su pintura.

Como dice el poeta portugués Eugenio de Andrade en su poema Sobre la tierra, “vivo y crezco en la tierra”, igual Moro ha encontrado en la tierra, la naturaleza y el mar esa tradición, realismo y libertad creativa, para configurar una obra exquisita. Tradición quiere decir orden formal y cromático, organización equilibrada del espacio visual. Realismo viene a serlo todo menos una consigna: es una segura invocación emotiva a la naturaleza y un desafío quizás intempestivo a las potencialidades de su transfiguración formal. Libertad creativa significa sencillamente conciencia del límite, aceptación serena de unas presiones del oficio que han orientado a lo largo de la historia la sensibilidad estética: un mundo de pintura. “Observar no como -decía el pintor catalán Râfols-Casamada- como una actividad intelectual, sino como una función sensitiva. Nuestra sensibilidad visual abierta hacia el mundo.

Captar el conjunto de nuestro campo de visión, captar los detalles que lo integran. No menospreciar nada, situar cada cosa en relación con las otras. Sin pensar, sólo mirando”. Todo un reto, y Moro lo ha ido entendiendo poco a poco, en sus series Papaloapan y Metamorfosis. Para nuestro artista, con todo, la pintura no es sólo comunicación. Es también, acción, intervención selectiva en un caos expresivo a través de las formas, una calidad nueva que se alcanza en el momento mismo de la realización de la obra. “la pintura es acción -ha confesado el artista-. Entiendo el arte como un ejercicio creativo”.

Moro inventa en sus pinturas formas nuevas, de cuya asociación se define la forma que constituye su signo gráfico definitivo. “A los ojos del artista, el espacio es de hecho- dice Gao Xingjian- una noción subjetiva, sin ningún nexo obligado con la geometría o la topología. Se desprende de la intuición y de la percepción del artista mismo”. Creo que Moro no sólo se desprende en momentos de la intuición, sino que la hace cómplice de

su discurso pictórico, pues es a través de ella que llega directo a sus temas, a sus obsesiones: vagos resplandores de luces inciertas, diversos accidentes orográficos, la agitación de la figuración, me llevan a pensar en lo sublime que puede ser su pintura, su dibujo y su gráfica. La forma, en definitiva, como logro del trabajo arduo y consciente sobre una gama reducida de elementos cardinales que califican la obra acabada: color, textura y trazo. El color impone un ritmo plástico que, en contrapunto, lo domina todo. La textura hace expresiva, objetiva incluso, la superficie pictórica a la mirada o al tacto. El trazo impone la huella del artista en el concepto teórico, señala con intensidad no querida en el estado anímico del hombre que actúa: marca la obra. El blanco, negro, azul, ocre de estos seres imaginarios, con sus, cegadores contrastes, pero otras, con su oceánico rebullir de grises, nos va descubriendo también los sordos destellos y los mil matices que han convertido su visión estética en el pozo sin fondo del color. Un frío viaje de esa belleza sutil que nos acecha cotidianamente. Colores convertidos en materia de pintura. Poesía pura.

Pero volver una y otra vez sobre el mismo sortilegio pictórico -de animales, peces, creaturas imaginarias- nunca es en vano, y, en este sentido la apretada fijación con que la artista ha mirado ese parpadeante espacio, animado por turbios resplandores, y, la intensidad de su pugna plástica por lograr conjugar las extrañas “musculaciones cromáticas” -como decía Antoni Tápies- que, pululan por la plana superficie cuando se extinguen las luces, tonos, trazos, que llenan de atmósferas luminosas cada una de sus telas.

La paleta de Luis Moro nos propone un arte que controla enérgicamente el azar. Y crear una obra nueva que constituye un riesgo: un problema a partir de las leyes de unos signos en los que convergen la tensión gestual, la urgencia técnica y la dureza de la materia pictórica. Todo ello determina el drama de la obra. La operación creativa se sitúa así en la encrucijada entre lo espontáneo y el control racional y se resuelve en un súbito y, en el caso reciente de Moro, brillantísimo despliegue de sensaciones visuales inmediatas.

Ese silencio que crece constante, inmóvil como los peces, pulpos, abejas y mariposas que desde décadas van apareciendo de forma constante en cada uno de las telas y papeles de Moro. Juego especulativo de su pintura: espejo de mil reflejos de una realidad que no se agota. El enriquecimiento y la complejidad simbólica en la obra reciente de Moro me parece sorprendente. Los grises, los sienas, la gradación más oscura de tonalidades nos inducen a pensar en una reflexión severa, por parte del artista, sobre las raíces más hondas de su arte y la problemática conceptual de la semi-abstracción en el arte contemporáneo. Ocres y azules sobre construcciones limitadas en negro, de remotas reminiscencias geométricas, alejan esta nueva obra de períodos aparentemente más serenos.

Las capas de color batallan, pero no existe búsqueda de efectos complicados, duro; de hecho el modo de pintar tiende a unirlos, ya que se realizan invadiendo una parte central de la tela. El espacio y la luz, o la saturación cromática que gradúa los efectos lumínicos en este nuevo espacio -la obra- se convierten en los protagonistas que ordena, en la superficie nada neutra de la tela y el papel, las tensiones plásticas y visuales que las forman constructivas por sí mismas son capaces de generar. Sobre estos supuestos se estable el diálogo visual con el espectador.

En opinión de Walter Benjamin, la obra de arte se nos presenta ahora más bien “como un mundo fantástico en miniatura”, que se sostiene a sí mismo, dotado de una naturaleza propia. Y, porque no, Moro crea un mundo “fantástico” con su obra; un bestiario imaginario inédito. Crea unas tracerías figurativas que le permiten un simple elaborado compositivo en la ordenación compositiva, con motivos de un realismo algo “insípido y evanescente” que encubre pronto en un discurso estético sorprendente.

Y de nuevo una deslumbrante constelación de formas. Equilibrio y dinamismo interno. Control y depuración expresiva de la materia- color sometida por unas variaciones signicas lineales que quiebran la geometrización del espacio. Espacios pictóricos y poéticos que se definen cromáticamente en sobre posiciones y contrastes de fuerte radicalidad y sombreado parco, elusivo. Imágenes, así, cargadas de simbolismo. El uso de una técnica que mezcla el grafito y el óleo proporciona a las imágenes de Luis Moro una textura entre lo mineral y lo orgánico, figuras que brillan como el resplandor, pero también con la sensual suntuosidad de unas flores de ceniza.

Este es el caso de la obra reciente de Luis Moro, cuya evolución y discurso plástico está lejos de agotarse. “Lo que cantaban -dice Mark Strand- sin embargo, sigue siendo un misterio para mí”. Y eso sigue para mí siendo la pintura de Luis Moro: un enigma misterioso y asombroso.

*El presente texto pertenece al libro Luis Moro. La cuenta atrás (Figuera-Hernández, Editores, 2014), que se presenta hoy por la noche en el Centro Cultural de España, de la ciudad de México.

Fuente: La Jornada

Desde 1999 el Museo transmite La Hora Cultural MACAY, con el objetivo de difundir las Bellas Artes, entrevistas a creadores locales, nacionales e internacionales, promoción de actividades culturales en la entidad y del Museo. También se transmite una sección sobre arte contemporáneo, en colaboración con Canal 22 y TV UNAM.

(más…)

La pintura de Luís Moro siempre ha asumido el reto de contarnos historias, relatos filtrados entre dibujos ágiles y colores transparentes. Crea a lomos de las grandes narraciones míticas y su obra es una constante metamorfosis de razones y pasiones. Sacrificios y totems. Tauromaquia y paraísos. Figuras protagonistas acuáticas, color y textura, paisajes sugeridos sobre fondos blancos, re-involución imaginaria.
Y una cuidada e integrada variedad de técnicas que Moro maneja con meticulosa precisión y sutil artificiosidad, técnicas mixtas sobre papel, lienzo o tabla, infografías con pinturas, serigrafías con óleos, maderas y pieles zoomorfas, collages sobre dibujos efímeros, papeles recortados, livianos, y bronces patinados en formas de toros, peces o caracoles. Y esta exhibición de recursos permite a Luís Moro la posibilidad expresiva y el atrevimiento demiúrgico de iniciarnos en un “jardín animado”, reflejo de fantasías líquidas, luminosas y transparentes. Imágenes que nos anticipan una conciliación entre la vida vegetal y animal, entre la vida primigenia y la cultura elegante, refinada, pero respetuosa.
Como ya hemos comentado en otras exposiciones, la pintura de Luís Moro es pura zooilogía (1998). Antes compleja y riquísima síntesis de santos y laicos, de ángeles y demonios, de peces y sueños, de máquinas y almas, ahora se aproxima a la realidad virtual. Pintura neobarroca e hipermoderna, a la vez, expresión e impresión. Atrás queda Mitreo, “Papaloapan” (“Río de mariposas”) y “Xoloitzcuintle” son nuevas reencarnaciones. Ahora se suman animales fantásticos, chapulines mecánicos, géminis de caballitos de mar, crisálidas en ojos de pez. Artrópodos experimentales y danzas anfibias en busca de El Dorado. Las pinturas de Moro proponen narraciones en las que se fusionan e integran grafos e iconos, enigmas y zoótropos, cronopios y uroboros, que proceden de culturas diferentes, superando fronteras y prejuicios, desvelando un significado que en buena medida es universal. Moro propone un arte transcultural, con una pretensión pedagógica y crítica, creativa y comprometida, indagando en imágenes microscópicas, oníricas y liberadoras, de “Paraísos elementales” a “Jardines animados”.

Texto de Rodrigo González Martín

Estimados amigos estáis invitados a la presentación como primicia en Europa del proyecto multimedia 3d “Microcosmos interactivo” realizado con ARTRESD el próximo Viernes 14 Junio a las 20 h en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia.

Continuando la itinerancia internacional por Francia, Bélgica, Corea del 2009 al 2012 en algunos de los museos de México y en el Museo Alameda Smithsonian de San Antonio (USA) donde presentamos una exposición sobre el mundo microscópico de los insectos, artrópodos y su Microcosmos.

El público podrá interactuar con la obra virtual y la realidad aumentada a través de “Kinect” que reconoce los movimientos del espectador, se presentó en la Galería Gravelmoulth de Texas para posteriormente itinerarla en la Galería Alfredo Ginocchio en Ciudad de México, Gray Duck en Austin (USA) y en La Galería La Reja (España) las pinturas y dibujos preparatorios hasta el 29 de Junio.

El proyecto sumerge al espectador dentro de la plástica, gracias a la combinación de las nuevas tecnologías y del arte, que posibilitan la interacción del público con la obra. En ella, el sistema de Inteligencia artificial analiza dicha obra estableciendo la relación entre los elementos pictóricos de la obra con el movimiento y actitud del espectador.

“Una de las grandes constantes del arte actual, es la tensión entre ficción y realidad, entre arte y vida; sin duda, una de las variantes que lleva hasta sus últimas consecuencias esta polarización es la oposición entre naturaleza y cultura. Paraísos Elementales es una demostración de como a partir del inseparable vínculo entre el hombre y la fauna puede derrumbarse el prejuicio donde todo lo que produce nuestra especie, – esto es la cultura – es un artificio que nos separa de la naturaleza, siendo la conjunción en este proyecto tanto de la ciencia y el arte, como la tecnología y la experiencia estética, fuentes de conocimiento que nos permiten desde nuestra propia humanidad, asumirnos como un factor más que determina el delicado equilibrio de la vida en nuestro planeta.”

E. Egea. Aad.

+Info: http://artresd.com

Fuente: Zoquejo.com

El artista segoviano presentó ayer una carpeta de tres litografías que ilustran tres poemas originales del poeta y escritor catalán Premio Cervantes en 2006.

El artista segoviano Luis Moro presentó ayer en la sede de la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE) uno de sus proyectos más singulares y ambiciosos en colaboración con el escritor y Premio Cervantes Antonio Gamoneda. Bajo el título “Un animal oculto”, Moro y Gamoneda presentaron una careta de tres litografías y tres poemas originales coeditadas por el galerista y editor Rodrigo Juarranz, que fueron presentadas en la tarde de ayer por los presidentes de AEPE, José Gabriel Astudillo y de la Asociación Española de Críticos de Arte (AECA), Tomás Paredes Romero.
Para la presentación mundial de este trabajo, los autores han elegido Madrid, y a una entidad que se fundó hace ahora 105 años de la mano de grandes artistas como Chicharro, Sorolla, Blay o Cecilio Plá, para seguir una tradición de la que la Asociación Española de Pintores y Escultores es ya veterana, ya que entre sus actos societarios siempre se ha realizado este tipo de trabajos introductorios de los mejores artistas del momento.

La colaboración entre Antonio Gamoneda y Luis Moro es la primera para el pintor segoviano, si bien el poeta ya lo ha hecho antes con artistas como Álvaro Delgado, Antoni Tàpies, Amaya Bozal y Juan Carlos Mestre entre otros.
La obra de Luis Moro, fuertemente arraigada en la cultura hispana, tiene una amplia proyección internacional. A sus treinta y cuatro años cuenta con más de treinta exposiciones individuales, de las cuales aproximadamente la mitad se han realizado fuera de España. A lo largo de su ya dilatada carrera ha recibido numerosos premios, entre los que cabe citar los Premios Nacionales de Pintura y Grabado, Certamen Juvenil de Artes Plásticas entre 1985 y 1989, Premio Internacional de Pintura Benidorm 1987, Premio Liceo Español de Paris 1991, Beca Casa de Velázquez 2002 (Madrid-Francia), Beca Conaculta, Artresd, México 2012, SMART Grant, CAM, San Antonio, USA, 2013…

Antonio Gamoneda (Oviedo, 1931) es Doctor Honoris causa por la Universidad de León, ganador del Premio Nacional de Literatura en 1988, Premio Cervantes en 2006, Premio Quijote en 2009, Medalla de Oro de la ciudad de Pau, Medalla de Plata del Principado de Asturias, Premio “Leteo”, Medalla de Oro de León y Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes. Desde que publicara su primer libro en 1960, ha publicado ya 17 libros de poemas, 28 de ensayo, 4 de relatos y siendo innumerables las traducciones y la cantidad de trabajos de otro tipo que se le conocen.
Gamoneda ha definido la poesía en uno de sus ensayos: “Es arte de la memoria en la perspectiva de la muerte”. Su recepción crítica siempre ha sido favorable desde que el poeta comenzó a publicar: “Tres son los puntales, repetidos por el poeta insistentemente en [sus] escritos, sobre los que se alza la estatura de su pensamiento poético: – La naturaleza autorreferente de la palabra poética -intrarreferente, dice él también-, cuya significación y cuya realidad no atraviesan hacia una referencia exterior. El desencadenante de naturaleza musical del lenguaje poético (‘El pensamiento poético es un pensamiento que canta’). El hecho de que sólo sea posible que el lenguaje poético entre en la inteligibilidad bajo la condición de imágenes sensibles.

Fuente: El Adelantado de Segovia

“Fragmentos del paraíso” es una exposición de variadas técnicas pictóricas del artista español, Luis Moro. Nacido en la antigua ciudad de Segovia en España, Moro estudió en Madrid y ha expuesto en Europa, Norteamérica y Asia. Viaja constantemente desde 1991. Moro ha pasado los últimos 6 años entre México y USA donde ha expuesto su obra ampliamente.

Esta exposición se ha centrado en pequeñas formas de vida: insectos, artrópodos y minúsculos organismos que viven con ellos. Usando la pintura y nuevos medios ha construido un mundo complejo para reflexionar las relaciones entre los organismos individuales y su entorno, encontrando patrones inspirados en la naturaleza. A lo que se refiere como un juego entre lo “micro” y lo “macro”.

Enlace a la galería

Por Miguel Ángel Muñoz

“Había jugado con la posibilidad de encontrar en la realidad lo que estaba sencillamente en el fondo de mi mismo”
Marcel Proust, El tiempo recobrado

Pocos elementos pueden presentar tanta claridad y variedad de estímulos a la imaginación visual y poética como una semi-figuración sutil, delicada, llena de poesía. Su metamorfosis de color, de la línea y la estabilidad de su forma, que es fuente de renovación, constituyen un desafío máximo en cualquier artista. Ese ejercicio memorioso es al que John Berger juega: “Cierras los ojos distraídamente de vez en cuando. La imagen del entramado de hojas se mantiene un momento impresa en tu retina antes de desaparecer, pero ahora es de un rojo intenso, del color de un rododendro muy oscuro…”.

Uno de los principales mandatos pictóricos del siglo XX (Paul Klee), decía: “no reproduzcas la naturaleza, has como ella, descúbrelo todo poco a poco”. Pero, ¿qué es un paisaje, qué una figuración? Nada y todo. Se deja hacer. Si se mueve es por buscar el equilibrio que otras fuerzas le rompen; va y viene, se agita, incluso puede mostrar su rabia, y en este movimiento lo transforma todo, lo acoge todo.

Todas estas ideas surgen con fuerza al ver en retrospectiva la obra pictórica de Luis Moro. Las claves de su trabajo son plásticas; pero una idea se hace cada vez más clara: la progresiva sencillez formal, la creciente economía de los elementos de su pintura, van unidad de forma inextricable a una mayor riqueza plástica, a una capacidad de sugestión visual que crece de modo continuo, como una fuerza quieta que se desliza en multitud de gestos, de vaivenes. Ha evolucionado a partir de aquellos principios radicales, pero es un caso clave en la pintura de su generación de integración coherente de elementos. Es complicado descubrir en él, un desliz extra-pictórico. En sentido de mezclar figuración y paisaje. De fuertes resonancias románticas, que puebla su pintura de los noventa, emerge, desde una memoria visual acumulada, cuya densidad y simpleza no impide ir reconociendo lentamente con precisión exacta cada uno de los estratos sobre los que se apoya.

Siguiendo los trazos y caminos últimos de Martk Rothko, Antoni Tàpies, Albert Ràfols-Casamada, Terry Winter, Philip Guston, Miquel Barceló pero también las densas y poéticas atmósferas de Turner, sin olvidar los maravillosos paisajistas británicos del siglo XVIII y comienzos del XIX, el pintor español Luis Moro continúa puliendo su fascinante mundo estético “sub-acuático”: peces, calamares, caballos de mar; y esa serie de insectos, que título acertadamente “paraísos elementales”: abejas, moscas, mariposas, cuya poética es un reflejo de ricas tensiones internas, donde caben los refinamientos sensuales y las alucinaciones místicas. No tarda en aparecer un ánimo organizativo y, tal vez lo más importante, una sobriedad a la que se mostrará fiel, incluso en los momentos de factura más sensual. Moro ha insistido en esa absorbente y huidiza plasmación de la luz, donde discurren todos los colores, pero al límite de su visibilidad, porque el horizonte así se achata entre nieblas y se convierte en un telón jaspeado de inciertos brillos fugitivos, cuyos trazos guían la mano del artista, para crear y recrear esas atmósferas huidizas que le dan un toque muy personal a su pintura.

Como dice el poeta portugués Eugenio de Andrade en su poema Sobre la tierra, “vivo y crezco en la tierra”, igual Moro ha encontrado en la tierra, la naturaleza y el mar esa tradición, realismo y libertad creativa, para configurar una obra exquisita. Tradición quiere decir orden formal y cromático, organización equilibrada del espacio visual. Realismo viene a serlo todo menos una consigna: es una segura invocación emotiva a la naturaleza y un desafío quizás intempestivo a las potencialidades de su transfiguración formal. Libertad creativa significa sencillamente conciencia del límite, aceptación serena de unas presiones del oficio que han orientado a lo largo de la historia la sensibilidad estética: un mundo de pintura. “Observar no como -decía el pintor catalán Râfols-Casamada- como una actividad intelectual, sino como una función sensitiva. Nuestra sensibilidad visual abierta hacia el mundo.

Captar el conjunto de nuestro campo de visión, captar los detalles que lo integran. No menospreciar nada, situar cada cosa en relación con las otras. Sin pensar, sólo mirando”. Todo un reto, y Moro lo ha ido entendiendo poco a poco, en sus series Papaloapan y Metamorfosis. Para nuestro artista, con todo, la pintura no es sólo comunicación. Es también, acción, intervención selectiva en un caos expresivo a través de las formas, una calidad nueva que se alcanza en el momento mismo de la realización de la obra. “la pintura es acción -ha confesado el artista-. Entiendo el arte como un ejercicio creativo”.

Moro inventa en sus pinturas formas nuevas, de cuya asociación se define la forma que constituye su signo gráfico definitivo. “A los ojos del artista, el espacio es de hecho- dice Gao Xingjian- una noción subjetiva, sin ningún nexo obligado con la geometría o la topología. Se desprende de la intuición y de la percepción del artista mismo”. Creo que Moro no sólo se desprende en momentos de la intuición, sino que la hace cómplice de

su discurso pictórico, pues es a través de ella que llega directo a sus temas, a sus obsesiones: vagos resplandores de luces inciertas, diversos accidentes orográficos, la agitación de la figuración, me llevan a pensar en lo sublime que puede ser su pintura, su dibujo y su gráfica. La forma, en definitiva, como logro del trabajo arduo y consciente sobre una gama reducida de elementos cardinales que califican la obra acabada: color, textura y trazo. El color impone un ritmo plástico que, en contrapunto, lo domina todo. La textura hace expresiva, objetiva incluso, la superficie pictórica a la mirada o al tacto. El trazo impone la huella del artista en el concepto teórico, señala con intensidad no querida en el estado anímico del hombre que actúa: marca la obra. El blanco, negro, azul, ocre de estos seres imaginarios, con sus, cegadores contrastes, pero otras, con su oceánico rebullir de grises, nos va descubriendo también los sordos destellos y los mil matices que han convertido su visión estética en el pozo sin fondo del color. Un frío viaje de esa belleza sutil que nos acecha cotidianamente. Colores convertidos en materia de pintura. Poesía pura.

Pero volver una y otra vez sobre el mismo sortilegio pictórico -de animales, peces, creaturas imaginarias- nunca es en vano, y, en este sentido la apretada fijación con que la artista ha mirado ese parpadeante espacio, animado por turbios resplandores, y, la intensidad de su pugna plástica por lograr conjugar las extrañas “musculaciones cromáticas” -como decía Antoni Tápies- que, pululan por la plana superficie cuando se extinguen las luces, tonos, trazos, que llenan de atmósferas luminosas cada una de sus telas.

La paleta de Luis Moro nos propone un arte que controla enérgicamente el azar. Y crear una obra nueva que constituye un riesgo: un problema a partir de las leyes de unos signos en los que convergen la tensión gestual, la urgencia técnica y la dureza de la materia pictórica. Todo ello determina el drama de la obra. La operación creativa se sitúa así en la encrucijada entre lo espontáneo y el control racional y se resuelve en un súbito y, en el caso reciente de Moro, brillantísimo despliegue de sensaciones visuales inmediatas.

Ese silencio que crece constante, inmóvil como los peces, pulpos, abejas y mariposas que desde décadas van apareciendo de forma constante en cada uno de las telas y papeles de Moro. Juego especulativo de su pintura: espejo de mil reflejos de una realidad que no se agota. El enriquecimiento y la complejidad simbólica en la obra reciente de Moro me parece sorprendente. Los grises, los sienas, la gradación más oscura de tonalidades nos inducen a pensar en una reflexión severa, por parte del artista, sobre las raíces más hondas de su arte y la problemática conceptual de la semi-abstracción en el arte contemporáneo. Ocres y azules sobre construcciones limitadas en negro, de remotas reminiscencias geométricas, alejan esta nueva obra de períodos aparentemente más serenos.

Las capas de color batallan, pero no existe búsqueda de efectos complicados, duro; de hecho el modo de pintar tiende a unirlos, ya que se realizan invadiendo una parte central de la tela. El espacio y la luz, o la saturación cromática que gradúa los efectos lumínicos en este nuevo espacio -la obra- se convierten en los protagonistas que ordena, en la superficie nada neutra de la tela y el papel, las tensiones plásticas y visuales que las forman constructivas por sí mismas son capaces de generar. Sobre estos supuestos se estable el diálogo visual con el espectador.

En opinión de Walter Benjamin, la obra de arte se nos presenta ahora más bien “como un mundo fantástico en miniatura”, que se sostiene a sí mismo, dotado de una naturaleza propia. Y, porque no, Moro crea un mundo “fantástico” con su obra; un bestiario imaginario inédito. Crea unas tracerías figurativas que le permiten un simple elaborado compositivo en la ordenación compositiva, con motivos de un realismo algo “insípido y evanescente” que encubre pronto en un discurso estético sorprendente.

Y de nuevo una deslumbrante constelación de formas. Equilibrio y dinamismo interno. Control y depuración expresiva de la materia- color sometida por unas variaciones signicas lineales que quiebran la geometrización del espacio. Espacios pictóricos y poéticos que se definen cromáticamente en sobre posiciones y contrastes de fuerte radicalidad y sombreado parco, elusivo. Imágenes, así, cargadas de simbolismo. El uso de una técnica que mezcla el grafito y el óleo proporciona a las imágenes de Luis Moro una textura entre lo mineral y lo orgánico, figuras que brillan como el resplandor, pero también con la sensual suntuosidad de unas flores de ceniza.

Este es el caso de la obra reciente de Luis Moro, cuya evolución y discurso plástico está lejos de agotarse. “Lo que cantaban -dice Mark Strand- sin embargo, sigue siendo un misterio para mí”. Y eso sigue para mí siendo la pintura de Luis Moro: un enigma misterioso y asombroso.

*El presente texto pertenece al libro Luis Moro. La cuenta atrás (Figuera-Hernández, Editores, 2014), que se presenta hoy por la noche en el Centro Cultural de España, de la ciudad de México.

Fuente: La Jornada

Desde 1999 el Museo transmite La Hora Cultural MACAY, con el objetivo de difundir las Bellas Artes, entrevistas a creadores locales, nacionales e internacionales, promoción de actividades culturales en la entidad y del Museo. También se transmite una sección sobre arte contemporáneo, en colaboración con Canal 22 y TV UNAM.

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La pintura de Luís Moro siempre ha asumido el reto de contarnos historias, relatos filtrados entre dibujos ágiles y colores transparentes. Crea a lomos de las grandes narraciones míticas y su obra es una constante metamorfosis de razones y pasiones. Sacrificios y totems. Tauromaquia y paraísos. Figuras protagonistas acuáticas, color y textura, paisajes sugeridos sobre fondos blancos, re-involución imaginaria.
Y una cuidada e integrada variedad de técnicas que Moro maneja con meticulosa precisión y sutil artificiosidad, técnicas mixtas sobre papel, lienzo o tabla, infografías con pinturas, serigrafías con óleos, maderas y pieles zoomorfas, collages sobre dibujos efímeros, papeles recortados, livianos, y bronces patinados en formas de toros, peces o caracoles. Y esta exhibición de recursos permite a Luís Moro la posibilidad expresiva y el atrevimiento demiúrgico de iniciarnos en un “jardín animado”, reflejo de fantasías líquidas, luminosas y transparentes. Imágenes que nos anticipan una conciliación entre la vida vegetal y animal, entre la vida primigenia y la cultura elegante, refinada, pero respetuosa.
Como ya hemos comentado en otras exposiciones, la pintura de Luís Moro es pura zooilogía (1998). Antes compleja y riquísima síntesis de santos y laicos, de ángeles y demonios, de peces y sueños, de máquinas y almas, ahora se aproxima a la realidad virtual. Pintura neobarroca e hipermoderna, a la vez, expresión e impresión. Atrás queda Mitreo, “Papaloapan” (“Río de mariposas”) y “Xoloitzcuintle” son nuevas reencarnaciones. Ahora se suman animales fantásticos, chapulines mecánicos, géminis de caballitos de mar, crisálidas en ojos de pez. Artrópodos experimentales y danzas anfibias en busca de El Dorado. Las pinturas de Moro proponen narraciones en las que se fusionan e integran grafos e iconos, enigmas y zoótropos, cronopios y uroboros, que proceden de culturas diferentes, superando fronteras y prejuicios, desvelando un significado que en buena medida es universal. Moro propone un arte transcultural, con una pretensión pedagógica y crítica, creativa y comprometida, indagando en imágenes microscópicas, oníricas y liberadoras, de “Paraísos elementales” a “Jardines animados”.

Texto de Rodrigo González Martín

Estimados amigos estáis invitados a la presentación como primicia en Europa del proyecto multimedia 3d “Microcosmos interactivo” realizado con ARTRESD el próximo Viernes 14 Junio a las 20 h en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia.

Continuando la itinerancia internacional por Francia, Bélgica, Corea del 2009 al 2012 en algunos de los museos de México y en el Museo Alameda Smithsonian de San Antonio (USA) donde presentamos una exposición sobre el mundo microscópico de los insectos, artrópodos y su Microcosmos.

El público podrá interactuar con la obra virtual y la realidad aumentada a través de “Kinect” que reconoce los movimientos del espectador, se presentó en la Galería Gravelmoulth de Texas para posteriormente itinerarla en la Galería Alfredo Ginocchio en Ciudad de México, Gray Duck en Austin (USA) y en La Galería La Reja (España) las pinturas y dibujos preparatorios hasta el 29 de Junio.

El proyecto sumerge al espectador dentro de la plástica, gracias a la combinación de las nuevas tecnologías y del arte, que posibilitan la interacción del público con la obra. En ella, el sistema de Inteligencia artificial analiza dicha obra estableciendo la relación entre los elementos pictóricos de la obra con el movimiento y actitud del espectador.

“Una de las grandes constantes del arte actual, es la tensión entre ficción y realidad, entre arte y vida; sin duda, una de las variantes que lleva hasta sus últimas consecuencias esta polarización es la oposición entre naturaleza y cultura. Paraísos Elementales es una demostración de como a partir del inseparable vínculo entre el hombre y la fauna puede derrumbarse el prejuicio donde todo lo que produce nuestra especie, – esto es la cultura – es un artificio que nos separa de la naturaleza, siendo la conjunción en este proyecto tanto de la ciencia y el arte, como la tecnología y la experiencia estética, fuentes de conocimiento que nos permiten desde nuestra propia humanidad, asumirnos como un factor más que determina el delicado equilibrio de la vida en nuestro planeta.”

E. Egea. Aad.

+Info: http://artresd.com

Fuente: Zoquejo.com